LAS VANGUARDIAS ARTISTICAS: EL DADAISMO, EL SURREALISMO Y LA ABSTRACCIÓN

EL DADAISMO

El Dadaísmo fue una tendencia artística que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916. Esta vanguardia se extendió por Europa y llegó hasta Estados Unidos. Estaba en contra del arte, los códigos y valores de su época, la Primera Guerra Mundial y los sistemas establecidos. Influyó en el arte gráfico, en la música, en la poesía. Se presentó como una ideología o una forma de vivir.

Su fundador fue Tristan Tzara. 

Una de las teorías del nombre Dadá, es que significa balbuceo o primer sonido que dice un niño, y surgió cuando buscaban en un diccionario un nombre artístico a una de las cantantes. Inmediatamente identificaron este nombre con el nuevo estilo que buscaba empezar desde cero, rompiendo todos los esquemas seguidos con anterioridad. Existen muchas otras suposiciones sobre el nombre de este movimiento, “el concepto general que se intentó propagar era que sencillamente no significara nada y fuese escojido al azar, algunos dicen que buscando en un diccionario con un cuchillo, otros dicen que era lo único que se entendía de los rusos, da da (si si)”. (Aporte de Valentina, gracias).

Buscaban impactar y dejar perplejo al público (que reaccionaba tirándoles cosas e insultándolos). En 1917 se inauguró la Galería Dadá y Tristán Tzara comenzó su publicación. El dadaísmo se divulgó a través de revistas, su manifiesto y en las reuniones realizadas en cabarets o galerías de arte.

 Se caracterizó por:

– Renovación de la expresión mediante el empleo de materiales inusuales.
– Montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano presentándolos como objetos artísticos.
– Collage de diversos materiales (papeles, etiquetas, prospectos, diarios, telas, maderas, etc.).
– Fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y la provocación.

Los artistas más reconocidos fueron:

 Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck. 

 

Critica

La influencia que el dadaísmo ha tenido en el arte actual ha sido relevante ya que gracias a él, en la actualidad se consideran el arte como una práctica libre no estandarizada, sin reglas que limiten al artista. Uno de los principales legados que dejó el movimiento dadá fueron las revistas.

        

EL SURREALISMO

El surrealismo es un movimiento surgido en la primera mitad del siglo XX, específicamente durante el año 1920, en Francia, partiendo de la corriente dadaísta. Proviene del término francés “surréalisme”, cuyo significado es “por encima de la realidad”; fue acuñado por Guillaume Apollinaire, en el año 1917, mientras redactaba el prefacio de la obra Parade. Se dice que grandes figuras como el Marqués de Sade, Charles Fourier y Heráclito, fueron los primeros hombres en generar un poco de inspiración en el precursor del surrealismo André Breton. Este movimiento aparece en plenas revoluciones sociales, políticas y económicas, por lo que es notable el contraste entre las obras concebidas bajo éste concepto y la realidad en desarrollo.

Principales características del surrealismo 

Es que los sentimientos y las ideas propias son la respuesta a todo, esta corriente expresa que la imaginación debería ser la musa que todos los artistas utilizaran.

Como característica principal, el surrealismo maneja un humor negro y burla en especial hacia aquellas personas que tienen el poder, sea el gobierno, la iglesia o las clases altas. Este elemento se demuestra principalmente de forma escénica.

Se divide en dos corrientes: El surrealismo figurativo que enfatiza situaciones o imágenes por medio de líneas y curvas exageradas, mientras que utiliza colores moderados, y el surrealismo abstracto, por su parte, busca anticiparse a lo que puede pasar, es decir, ser espontáneo, mucho más liberal y fuera de sentido alguno, esta forma del surrealismo utiliza colores muy brillantes, aunque suele utilizar en mayor cantidad los tres primarios, rojo, azul y amarillo.

Autores surrealistas

Andre masson, Giorgio de Chirico, Salvador dalí, Jacek Yerka, Yves tanguy, Joan miró, Paul Delvaux

René Magritte.
 

Critica

El Surrealismo propone una teoría de lo inconsciente y de lo irracional como medio para cambiar la vida, la sociedad, el arte y el hombre por medio de la revolución. No es un movimiento con unidad de estilo, sino una serie de investigaciones de artistas individuales, cada uno con un estilo propio.

LA ABSTRACCIÓN

En el siglo XX se rompe por primera vez esta creencia y algunos pintores van a comenzar lo que hoy denominamos arte abstracto, es decir, un arte que no toma como referencia lo natural y no se sujeta a ninguna regla. Las pinturas van a ser la expresión de la subjetividad y del mundo interior del artista. Con ello se logra transmitir directamente desde el sentimiento, mezclar colores sin ninguna restricción, plasmar formas geométricas con relaciones libres entre ellas y desligar la creación artística de toda servidumbre.

La llegada de la abstracción ha generado una polémica que todavía dura y que consiste en, o bien aplaudir el arte abstracto, o bien criticarlo por no ser tan meritorio en la ejecución como el arte figurativo (el que imita la realidad) y no transmitir nada claramente, limitándose a dibujar formas al margen del mundo que conocemos.

Las características del arte abstracto:

Son en general las estructuras y aspectos cromáticos sin preocuparse en representar de forma figurativa, las formas naturales. Siendo así, las obras llamadas abstractas, existen independiente del  mundo real, de los modelos reales y se preocupa solamente en crear sus propios significados por medio de un lenguaje visual expresivo, capaz de provocar muchas interpretaciones.

Pintores Abstractos famosos:

Robert Delaunay, Piet Mondrian, Wassily Kandinsky.

CRITICA:

La abstracción en el arte es un lenguaje visual independiente de la representación del natural cuya expresividad reside en el valor y organización de sus elementos. Por lo tanto, el arte abstracto es un concepto opuesto al de arte figurativo que se aplica a varias disciplinas artísticas.

LAS VANGUARDIAS ARTISTICAS: EL FUTURISMO Y EXPRESIONISMO

EL FUTURISMO

Es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.

Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.
Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.

Umberto Boccioni
Cultivó el puntillismo en algunas ocasiones, en otras empleó la línea curva, y más tarde, las rectas. En La ciudad se levanta su dinámica es curva, mientras que La fuerza de la calle o Dinamismo de un ciclista se organizan en disparatadas rectas, formalmente próximas al cubismo, pero diferenciadas en su aspiración a un movimiento frenético, casi desesperado.


CRITICA

El Futurismo fue un movimiento fundamentalmente italiano de carácter literario y, aunque tuvo expresiones importantes en la plástica  también tuvo adherencias en otras manifestaciones artísticas, en arquitectura y en la música (el Ruidismo del compositor Luigi Russolo, antecedente directo de la llamada música concreta).


El futurismo tuvo además algunos seguidores en Rusia (el poeta Vladímir Maiakovski), en Bélgica (el escritor Émile Verhaeren), en Portugal (Fernando Pessoa, quien divulgó el movimiento a través de la revista Orpheu, 1915) y en Uruguay (el poeta Alfredo Mario Ferreiro); sin embargo, tras alcanzar su culmen, a mediados de los años veinte, la estética futurista fue disgregándose hasta desaparecer en la década de los cuarenta.


EXPRESIONISMO 

El término Expresionismo sirvió inicialmente para calificar el arte de los fauves y los cubistas expuesto en Berlín en 1911. Al año siguiente pasó a designar todas las manifestaciones de vanguardia europeas, y actualmente hablamos de Expresionismo para aludir a un arte empeñado en la renovación política y social de Alemania a principios del s XX. En ese primer tercio del siglo tienen lugar varias manifestaciones de pintura expresionistas: El Puente (Dresde, 1905), El Jinete Azul (Munich, 1912) y otro, de carácter más comprometido políticamente, en Berlín, después de la Gran Guerra (tercera generación impresionista).

El Expresionismo carece de un centro geográfico único: aunque los países germánicos sean su centro, encontramos manifestaciones expresionistas nórdicas, flamencas, francesas y españolas.

Cada grupo o artista trabaja con independencia de los demás, y ello explica su diversidad de tendencias, que van del exagerado colorido de la primera generación hasta las tendencias abstractas.

Se desarrolla en todas las artes (poesía, teatro, música, artes gráficas) y no hay en sus autores un compromiso político claro: hubo artistas socialdemócratas, comunistas, anarquistas y nazis. Pero todos ellos coincidieron en ensalzar la libertad individual, el irracionalismo y el pesimismo.

CARACTERISTICAS

1.-Individualidad.- El expresionismo enfocaba más el arte a la concepción personal del autor, quien expresaba su sentimiento y su pensamiento sobre la armonía y parentesco con la realidad. Su opinión es más importante que la concordancia y la armonía del trabajo hecho.

2.- Subjetividad.- Las ideas no se plasmaban en forma directa a lo que se está viendo, implicaban la opinión de quien la expresaba.

3.- Exageración.- Los artistas expresionistas apelaban a la exageración  como método de expresión de sus sentimientos y exageraciones.

4.- Arquitectura.- La arquitectura expresionista se presentó en Europa, pues es en esta zona donde la influencia de la guerra y las crisis existenciales de los sobrevivientes se expresan en las nuevas construcciones realizadas.

ALGUNOS REPRESENTANTES DEL EXPRESIONISMO 

Otto Mueller, Georges Rouault, Paul Klee, Vasili Kandinski, Amedeo Modigliani, Marc Chagall, José Clemente Orozco, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Piet Mondrian, Hans Arp, Max Ernst, Karl Hofer, Franz Marc, Egon Schiele, Oswaldo Guayasamín, entre muchos otros.

CRITICA

El expresionismo fue el punto de partida de un proceso de transmutación de la realidad que cristalizó en el expresionismo abstracto y el informalismo.
Los expresionistas utilizaban el arte como una forma de reflejar sus sentimientos, su estado anímico, propenso por lo general a la melancolía, a la evocación, a un decadentismo de corte neorromántico.

LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS HISTÓRICAS: EL FAUVISMO Y EL CUBISMO

EL FAUVISMO

El nombre de Fauvismo ha sido aplicado a una corriente artística derivada del Impresionismo que tuvo lugar en diferentes partes de Europa especialmente entre los años 1905 a 1907. 

El fauvismo ha sido considerado como una de las más claros exponentes del Expresionismo, teoría pictórica que consiste en la noción de que las representaciones de la realidad deben dejar ver los sentimientos, el estado de ánimo y las sensaciones del autor más que guiarse por la lógica y la linealidad.

El nombre de Fauvismo se relaciona con el término francés 'Fauve' que significa bestia o animal salvaje. 

Los pintores fauvistas, entre los cuales Henri Matisse fue el más significativo y reconocido a nivel mundial, buscaban utilizar colores que destacaran por su vibrante tono, además de representar formas que en ocasiones perdían su estilo figurativo y que raramente eran coloreadas con las tonalidades observadas en la naturaleza. El uso de la línea fuerte e irregular, así como también de formas abstractas era otra de las grandes constantes del fauvismo. Muchas veces, el Fauvismo recorría a colores contrastantes entre sí y la importancia central que le daban a cuestiones como esta les hizo dejar de lado (voluntariamente) el interés por la perspectiva, el claroscuro, el detalle.

Se considera que el Fauvismo es una evolución del Impresionismo ya que el segundo fue el responsable de quebrar los cánones tradicionales y academicistas de la pintura para dar lugar a numerosas vanguardias artísticas que dominaron el siglo XX y que significarían otro modo completamente diferente de representar la realidad.

El fauvismo es un movimiento eminentemente pictórico que se caracteriza por:

• Uso del color según la técnica de divisionismo. Es decir, los tonos no se mezclan en la paleta. Se colocan puros en el cuadro uno al lado del otro. Las primeras obras presentan, por ejemplo, en el rostro humano colores rojos, verdes o morados que, en principio, es ajeno a la carnalidad.
• Los contornos se presentan marcados, incluso con una línea gruesa de color negro y nada más tenemos que observar, por ejemplo, Desnudo azul (1907) de Henri Matisse.
• Rechazaban de forma unánime el concepto de belleza tradicional. El canon se sustituyó por la libertad expresiva. Hay que recordar que Freud acababa de definir el inconsciente con lo que esto supuso de revulsivo en la vida intelectual de entonces.
• Admiraban las expresiones artísticas de África y Oceanía a través de un incipiente comercio de arte que empezaba a despuntar en los elitistas círculos de París. Las máscaras, los roleos de tatuajes y la desnudez de estas culturas fascinaron a estos artistas.
• Se elimina la perspectiva, los claroscuros y, en estadios avanzados del movimiento, se reduce al mínimo el “decorado” de los cuadros. La luz llega de los colores, pero no del juego de las sombras.
• Las formas se simplifican y se recurre a lo natural, a lo primitivo e instintivo.
• Con el solo uso del color se intenta captar los sentimientos. Para ello se utiliza el simbolismo de los objetos.

Entre los artistas fauvistas más reconocidos debemos mencionar a Henri Matisse, quien además fue el fundador del movimiento, a Raoul Dufy, Georges Braque, André Derain y Maurice De Vlaminck. Los mismos llevaron a cabo sólo tres exposiciones oficiales entre los años que duró su movimiento, aunque la presencia y la relevancia de sus obras para futuras escuelas pictóricas se mantendría por largo tiempo.




Algunas ciudades de influencia dentro de El Fauvismo:

Los aportes del fauvismo en el siglo de las vanguardias, se pueden observar en varias consecuencias importantes para el desarrollo del arte en la primera mitad del siglo XX. Los aportes fueron directos o indirectos, más allá de su apogeo en Francia y no se puede determinar a ese país solamente. Además no fue una causa exclusiva o única para las siguientes transcendencias.

Otros artistas que no fueron del grupo principal del movimiento pero de fuerte influencia en Bélgica, España, Hungría y otros:

En Bélgica, los fauvistas de Brabante, es una expresación dada por primera vez en 1941 por el crítico belga Paul Fierens, para describir un grupo informal en Brueselas (en Brabante) los fundadores incluyen Fernand Schirren, Louis Thévenet, Willem Paerels (1878-1962), Charles Dehoy y Auguste Oleffe Y el atista Edgard Tytgat, Jean Brusselmans, Anne-Pierre de Kat (1881-1968) Por otro lado el artista Henri Evenepoel.

En España, los artistas Francisco Iturrino y Juan de Echeverrída.

En Hungría, el artista Béla Czóbel, Róbert Berény, Vilmos Perlrott Csaba, Sándor Ziffer, Lajos Tihanyi, Géza Bornemisza, el matrimonio Sandor Galimberti y Valéria Dénes.

Estos grupos de otra manera se conocen como fauvismo belga, fauvismo ibérico​ como lo llamaría Gaya Nuño y el fauvismo húngaro, respectivamente.

CRITICA
Este tipo de arte es muy hermoso e inspirador ya que el color es el objeto principal del cuadro, utilizan también la pasta desde el tuvo sin necesidad de paleta, se inclinan por los colores vivos en formas de manchas planas. El color se independiza del objeto.

EL CUBISMO ANALÍTICO Y SINTÉTICO 

Para entender las diferencias entre el cubismo analítico y el sintético es importante que nos detengamos en la definición de cada una de estas corrientes. El cubismo tiene un periodo cronológico que abarca desde 1907 hasta 1920 y, dentro de este, se pueden identificar dos fases cubistas siendo la primera de ella la que pertenece al cubismo analítico que va desde 1907 hasta 1911.

El cubismo analítico o también conocido como cubismo hermético se caracteriza por plasmar esas tres dimensiones con formas geométricas muy marcadas, llevando al máximo la descomposición de la obra, hasta tal punto de resultar muy difícil asimilar lo que el artista había realmente plasmado.

Las pinturas cubistas poseen una gran impronta intelectual, ya que el espectador cuando se sitúa frente a ella, lo que ve son ciertas formas aparentemente desordenadas y digamos que la función del que contempla la obra es, ordenar, recomponer y reconocer aquellos objetos, personajes… pertenecientes al mundo real, y de esa manera descifrar el mensaje que el artista nos ha querido transmitir. 

El cubismo sintético es la segunda fase que experimentó el cubismo, desarrollada principalmente entre los años 1912 y 1914.
Hubo un momento en el que, tras un pequeño análisis sobre el cubismo anterior a este, es decir, el cubismo analítico, los creadores de este movimiento fueron a menudo tachados como artistas abstractos y es que ya en los últimos años algunas de esas composiciones rozaban la abstracción. Es más, este hecho explica, en que fuera el cubismo, la primera de las tendencias artísticas en estar acompañadas de un pequeño título que hiciese referencia a lo que se estaba representando, y de ese modo hacer mucho más fácil su compresión.

Caracteristicas de la fase analítica del cubismo analítico-sintético

- Distingue y separa las partes de un todo para conocer mejor sus elementos.

- Se basa en la descomposición de formas y figuras en elementos  geométricos.

- Fragmenta la imagen en elementos simples y racionalistas.

- Descompone la imagen en múltiples elementos para que después el cubismo sintético reconstruya una nueva realidad.

- El objeto se descompone en elementos pequeños, en elementos independientes y móviles.

- Utiliza como elementos geométricos, principalmente los triángulos, los rectángulos y los cubos.

- Los objetos van descomponiéndose cada vez más, conforme avanza el periodo analítico.

Caracteristicas de la fase sintética del cubismo analítico-sintético

- Conforma un todo mediante la unión de varios elementos.

- Se basa en la reordenación, en formas y figuras, de pequeños elementos limitados generalmente por superficies y líneas rectas, sobre planos y en orientaciones distintas.

- Rompe con la perspectiva. La perspectiva única desaparece y se fragmenta en líneas y superficies.

- Los planos sólidos se quiebran, los contornos del objeto se rompen, para crear un nuevo lenguaje de volúmenes.

- Crea una perspectiva múltiple, que permite por ejemplo, ver un rostro tanto de frente como de perfil, a la vez.

- Ofrece múltiples perspectivas de un solo objeto, múltiples ángulos de visión de un mismo elemento.

- Utiliza la fragmentación, distintos puntos de luz, y ruptura del contorno de los objetos.

- Ya no existe un único punto de vista ni tampoco hay sensación de profundidad ni de detalles.

- Esta nueva forma de comprender la perspectiva recibió el nombre de perspectiva múltiple.

- Resalta a través de colores y formas predominantes las partes más significativas de la figura.

- Utiliza colores apagados como el verde y el gris, sobre todo en su primera época.

- El color pasa a un segundo plano.

- Conquista un nuevo espacio al dar la sensación de volúmenes.

- Expande el objeto, crea un dinamismo que trasmita vida, un espacio con  resonancias musicales, plasma el tiempo.

- Presenta así un arte específicamente temporal, con movimiento, y vibraciones sonoras.

- Continúa con el color limitado a tonos ocres, y grises, porque se pierde el interés en reflejar el tono natural del objeto.

- El color y la luz pierden importancia frente a la forma.

- La incidencia de la luz varía en cada plano.

- La fragmentación sirve para crear el espacio y el movimiento en el espacio. 

- Los instrumentos, especialmente los musicales en sus cuadros, son los elementos más identificables, dentro de la ruptura de la forma homogénea y la discontinuidad de los contornos.

- Fusiona figura humana con instrumento, partitura musical con paleta de pintor, objeto con sujeto.

- Ordenada la estructura a partir de líneas verticales, horizontales y diagonales a las que van agregando planos.

- Introduce algunos elementos realistas, como botones, en la laberíntica estructura de planos, para facilitar identificaciones.

- Introduce la nueva técnica del collage en la pintura.

Los principales exponentes del movimiento cubista fueron :

• PABLO RUIZ PICASSO: (1881-1973): es la figura central del cubismo, el mas importante exponente de este movimiento y uno de los grandes genios del arte universal. Su nombre siempre estará ligado al cubismo como su creador y máximo representante.
  
  
• GEORGES BRAQUE  (1882-1963) es el otro gran creador del cubismo, más intelectual que Picasso. Se mantiene siempre fiel a la estética cubista. Son características sus naturalezas muertas.
  
• JUAN GRIS (1887- 1927): Su cubismo es fundamentalmente sintético y coloreado. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Esta mezcla de suavidad y energía la observamos en la ordenación de sus bodegones, realizados a base de planos muy violentos. Los elementos que aparecen son vasos, botellas, diarios, fruteros, pipas, arlequines, elementos musicales.

CRITICA

El cubismo de cierto modo me es mas atractivo que El fauvismo por el estilo en el que se manejan los colores, las figuras y la creatividad para poder crear algo demasiado llamativo. 

El cubismo sintético se caracteriza por potenciar las partes significativas de la figura,reduciéndola a sus formas geométricas mas puras. Está altamente estructurado y al contrario del analítico los colores pasan a ser protagonistas y se intenta poner varios objetos juntos para crear diferentes formas.

GALLETAS DE MANTEQUILLA

PARA REALIZAR ESTA RECETA NO NECESITAS SER UN GRAN EXPERTO SOLO NECESITAS TENER MUCHAS GANAS YA QUE SON SUPER FACILES DE HACER, ASÍ QUE MANOS A LA OBRA!!

INGREDIENTES	CANTIDAD
HARINA	500 GR
MANTEQUILLA	300 GR
AZUCAR GLASS	100 GR
MERMELADA HORNEABLE	?

PROCEDIMIENTO:

• ·         Mezcla la harina con la mantequilla (la mantequilla debe de estar suaave) y el azúcar glass de modo que se haga una masa, lo puedes hacer con la ayuda de una miserable o bien con tus manos perfectamente limpias.
• ·         Hacer bolitas con la masa, espolvorearlas con azúcar y con la ayuda de nuestro dedo hacerles un huquito, por último agregar un poco de mermelada horneable.
• ·         Hornear a 180°C hasta que tengan un color doradito en la parte de abajo.