LAS VANGUARDIAS ARTISTICAS: EL DADAISMO, EL SURREALISMO Y LA ABSTRACCIÓN

EL DADAISMO

El Dadaísmo fue una tendencia artística que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916. Esta vanguardia se extendió por Europa y llegó hasta Estados Unidos. Estaba en contra del arte, los códigos y valores de su época, la Primera Guerra Mundial y los sistemas establecidos. Influyó en el arte gráfico, en la música, en la poesía. Se presentó como una ideología o una forma de vivir.

Su fundador fue Tristan Tzara. 

Una de las teorías del nombre Dadá, es que significa balbuceo o primer sonido que dice un niño, y surgió cuando buscaban en un diccionario un nombre artístico a una de las cantantes. Inmediatamente identificaron este nombre con el nuevo estilo que buscaba empezar desde cero, rompiendo todos los esquemas seguidos con anterioridad. Existen muchas otras suposiciones sobre el nombre de este movimiento, “el concepto general que se intentó propagar era que sencillamente no significara nada y fuese escojido al azar, algunos dicen que buscando en un diccionario con un cuchillo, otros dicen que era lo único que se entendía de los rusos, da da (si si)”. (Aporte de Valentina, gracias).

Buscaban impactar y dejar perplejo al público (que reaccionaba tirándoles cosas e insultándolos). En 1917 se inauguró la Galería Dadá y Tristán Tzara comenzó su publicación. El dadaísmo se divulgó a través de revistas, su manifiesto y en las reuniones realizadas en cabarets o galerías de arte.

 Se caracterizó por:

– Renovación de la expresión mediante el empleo de materiales inusuales.
– Montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano presentándolos como objetos artísticos.
– Collage de diversos materiales (papeles, etiquetas, prospectos, diarios, telas, maderas, etc.).
– Fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y la provocación.

Los artistas más reconocidos fueron:

 Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck. 

 

Critica

La influencia que el dadaísmo ha tenido en el arte actual ha sido relevante ya que gracias a él, en la actualidad se consideran el arte como una práctica libre no estandarizada, sin reglas que limiten al artista. Uno de los principales legados que dejó el movimiento dadá fueron las revistas.

        

EL SURREALISMO

El surrealismo es un movimiento surgido en la primera mitad del siglo XX, específicamente durante el año 1920, en Francia, partiendo de la corriente dadaísta. Proviene del término francés “surréalisme”, cuyo significado es “por encima de la realidad”; fue acuñado por Guillaume Apollinaire, en el año 1917, mientras redactaba el prefacio de la obra Parade. Se dice que grandes figuras como el Marqués de Sade, Charles Fourier y Heráclito, fueron los primeros hombres en generar un poco de inspiración en el precursor del surrealismo André Breton. Este movimiento aparece en plenas revoluciones sociales, políticas y económicas, por lo que es notable el contraste entre las obras concebidas bajo éste concepto y la realidad en desarrollo.

Principales características del surrealismo 

Es que los sentimientos y las ideas propias son la respuesta a todo, esta corriente expresa que la imaginación debería ser la musa que todos los artistas utilizaran.

Como característica principal, el surrealismo maneja un humor negro y burla en especial hacia aquellas personas que tienen el poder, sea el gobierno, la iglesia o las clases altas. Este elemento se demuestra principalmente de forma escénica.

Se divide en dos corrientes: El surrealismo figurativo que enfatiza situaciones o imágenes por medio de líneas y curvas exageradas, mientras que utiliza colores moderados, y el surrealismo abstracto, por su parte, busca anticiparse a lo que puede pasar, es decir, ser espontáneo, mucho más liberal y fuera de sentido alguno, esta forma del surrealismo utiliza colores muy brillantes, aunque suele utilizar en mayor cantidad los tres primarios, rojo, azul y amarillo.

Autores surrealistas

Andre masson, Giorgio de Chirico, Salvador dalí, Jacek Yerka, Yves tanguy, Joan miró, Paul Delvaux

René Magritte.
 

Critica

El Surrealismo propone una teoría de lo inconsciente y de lo irracional como medio para cambiar la vida, la sociedad, el arte y el hombre por medio de la revolución. No es un movimiento con unidad de estilo, sino una serie de investigaciones de artistas individuales, cada uno con un estilo propio.

LA ABSTRACCIÓN

En el siglo XX se rompe por primera vez esta creencia y algunos pintores van a comenzar lo que hoy denominamos arte abstracto, es decir, un arte que no toma como referencia lo natural y no se sujeta a ninguna regla. Las pinturas van a ser la expresión de la subjetividad y del mundo interior del artista. Con ello se logra transmitir directamente desde el sentimiento, mezclar colores sin ninguna restricción, plasmar formas geométricas con relaciones libres entre ellas y desligar la creación artística de toda servidumbre.

La llegada de la abstracción ha generado una polémica que todavía dura y que consiste en, o bien aplaudir el arte abstracto, o bien criticarlo por no ser tan meritorio en la ejecución como el arte figurativo (el que imita la realidad) y no transmitir nada claramente, limitándose a dibujar formas al margen del mundo que conocemos.

Las características del arte abstracto:

Son en general las estructuras y aspectos cromáticos sin preocuparse en representar de forma figurativa, las formas naturales. Siendo así, las obras llamadas abstractas, existen independiente del  mundo real, de los modelos reales y se preocupa solamente en crear sus propios significados por medio de un lenguaje visual expresivo, capaz de provocar muchas interpretaciones.

Pintores Abstractos famosos:

Robert Delaunay, Piet Mondrian, Wassily Kandinsky.

CRITICA:

La abstracción en el arte es un lenguaje visual independiente de la representación del natural cuya expresividad reside en el valor y organización de sus elementos. Por lo tanto, el arte abstracto es un concepto opuesto al de arte figurativo que se aplica a varias disciplinas artísticas.

LAS VANGUARDIAS ARTISTICAS: EL FUTURISMO Y EXPRESIONISMO

EL FUTURISMO

Es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.

Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.
Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.

Umberto Boccioni
Cultivó el puntillismo en algunas ocasiones, en otras empleó la línea curva, y más tarde, las rectas. En La ciudad se levanta su dinámica es curva, mientras que La fuerza de la calle o Dinamismo de un ciclista se organizan en disparatadas rectas, formalmente próximas al cubismo, pero diferenciadas en su aspiración a un movimiento frenético, casi desesperado.


CRITICA

El Futurismo fue un movimiento fundamentalmente italiano de carácter literario y, aunque tuvo expresiones importantes en la plástica  también tuvo adherencias en otras manifestaciones artísticas, en arquitectura y en la música (el Ruidismo del compositor Luigi Russolo, antecedente directo de la llamada música concreta).


El futurismo tuvo además algunos seguidores en Rusia (el poeta Vladímir Maiakovski), en Bélgica (el escritor Émile Verhaeren), en Portugal (Fernando Pessoa, quien divulgó el movimiento a través de la revista Orpheu, 1915) y en Uruguay (el poeta Alfredo Mario Ferreiro); sin embargo, tras alcanzar su culmen, a mediados de los años veinte, la estética futurista fue disgregándose hasta desaparecer en la década de los cuarenta.


EXPRESIONISMO 

El término Expresionismo sirvió inicialmente para calificar el arte de los fauves y los cubistas expuesto en Berlín en 1911. Al año siguiente pasó a designar todas las manifestaciones de vanguardia europeas, y actualmente hablamos de Expresionismo para aludir a un arte empeñado en la renovación política y social de Alemania a principios del s XX. En ese primer tercio del siglo tienen lugar varias manifestaciones de pintura expresionistas: El Puente (Dresde, 1905), El Jinete Azul (Munich, 1912) y otro, de carácter más comprometido políticamente, en Berlín, después de la Gran Guerra (tercera generación impresionista).

El Expresionismo carece de un centro geográfico único: aunque los países germánicos sean su centro, encontramos manifestaciones expresionistas nórdicas, flamencas, francesas y españolas.

Cada grupo o artista trabaja con independencia de los demás, y ello explica su diversidad de tendencias, que van del exagerado colorido de la primera generación hasta las tendencias abstractas.

Se desarrolla en todas las artes (poesía, teatro, música, artes gráficas) y no hay en sus autores un compromiso político claro: hubo artistas socialdemócratas, comunistas, anarquistas y nazis. Pero todos ellos coincidieron en ensalzar la libertad individual, el irracionalismo y el pesimismo.

CARACTERISTICAS

1.-Individualidad.- El expresionismo enfocaba más el arte a la concepción personal del autor, quien expresaba su sentimiento y su pensamiento sobre la armonía y parentesco con la realidad. Su opinión es más importante que la concordancia y la armonía del trabajo hecho.

2.- Subjetividad.- Las ideas no se plasmaban en forma directa a lo que se está viendo, implicaban la opinión de quien la expresaba.

3.- Exageración.- Los artistas expresionistas apelaban a la exageración  como método de expresión de sus sentimientos y exageraciones.

4.- Arquitectura.- La arquitectura expresionista se presentó en Europa, pues es en esta zona donde la influencia de la guerra y las crisis existenciales de los sobrevivientes se expresan en las nuevas construcciones realizadas.

ALGUNOS REPRESENTANTES DEL EXPRESIONISMO 

Otto Mueller, Georges Rouault, Paul Klee, Vasili Kandinski, Amedeo Modigliani, Marc Chagall, José Clemente Orozco, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Piet Mondrian, Hans Arp, Max Ernst, Karl Hofer, Franz Marc, Egon Schiele, Oswaldo Guayasamín, entre muchos otros.

CRITICA

El expresionismo fue el punto de partida de un proceso de transmutación de la realidad que cristalizó en el expresionismo abstracto y el informalismo.
Los expresionistas utilizaban el arte como una forma de reflejar sus sentimientos, su estado anímico, propenso por lo general a la melancolía, a la evocación, a un decadentismo de corte neorromántico.